Toneguide Multi Amping

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Mehr als die Summe der Teile:

Multi-Amping

Was klingt besser als ein guter Verstärker? Zwei davon! Nach unserem

ausgedehnten Streifzug durch den Effektkosmos schlagen wir heute ein

neues Kapitel auf, besinnen uns auf die Basis unseres Gitarrensounds

– den Amp – und gehen den Tricks der Profis auf die Spur.

Arne Frank

Es ist fast schon gemein – hört man sich pro-

fessionelle Aufnahmen an, klingen die Gitarren

darauf ungemein frisch und quicklebendig

oder unglaublich satt und mächtig und haben

eine geradezu dreidimensionale Tiefenwirkung.

Versuchen wir so etwas zu Hause oder im Pro-

beraum nachzustellen, stellen wir häufig fest,

dass uns dafür offensichtlich irgendetwas fehlt.

Selbst wenn wir ein ganz ähnliches Instrument,

die richtigen Effekte und sogar einen Verstärker

verwenden, den unser Sound-Idol „endorsed“,

es will einfach nicht so klingen wie bei unserem

Lieblings-Song. Natürlich spielt der Musiker

selbst eine wichtige Rolle. Dessen Einfluss auf

das Klangergebnis wollen wir hier keinesfalls

kleinreden. Aber es gibt noch eine profanere,

technische Erklärung für diesen geradezu

magischen „Faktor X“ ...

etwas Planung auch im Live-Einsatz sehr gut

funktioniert, ist das sogenannte Multi-Amping.

Aber ein Amp ist doch laut genug, wozu soll

dann dieser Aufwand gut sein? Sehen wir uns

also die Hintergründe genauer an und stellen ein

paar typische Anlagen-Setups vor.

die Klampfe um und stöpselt sie in den Clean-

Kanal eines Marshall-AVT-Combos und dann in

einen Fender Blues Deluxe oder Peavey Classic

30. Oha, das sind doch Klangwelten, die sich da

auftun, nicht wahr?

Normalerweise ärgert man sich ja immer ein

wenig darüber, weil man selbst bei mehrkana-

lig umschaltbaren Geräten immer Kompromisse

eingehen muss. Denn bei dem einen Amp gefällt

einem vielleicht der Cleansound besonders gut,

der andere klingt wiederum bei High-Gain-Riffs

genial, aber der dritte hat womöglich den besten

Leadsound. Hätte man Kohle und Platz, man

würde sich alle drei Amps auf die Bühne stellen,

um sie gemäß ihrer Stärken und ihres typischen

Klangcharakters einzusetzen.

Der Super-Hero-Sound

Was wir als einen Sound wahrnehmen, sind in

Wirklichkeit häufig mehrere Gitarrenspuren oder

mehrere Klangquellen. Wie man das beliebte

Doppeln, also das mehrfache Aufnehmen

mehrerer identischer Spuren im Studio, mit

Effekten technisch nachstellt, haben wir schon

kennengelernt. Mittels dezent und feinfühlig

eingestellter Chorus- oder Detune-Effekte

(Pitch-Shift) lässt sich der Sound größer und

breiter machen. Das klingt im Idealfall etwa

so, als ob mehrere Gitarristen parallel dasselbe

spielen. Aber seien wir ehrlich, so richtig fett

und druckvoll klingt das nicht. Uns geht es um

etwas anderes. Es soll gar nicht sphärisch und

majestätisch nach Gitarrenchor klingen, sondern

nach dem „ultimativen“, präsenten, dynamischen

und einfach schweinegeilen Mega-Sound. Geht

nicht? Geht doch, aber nicht immer.

Hat man Gelegenheit, die hochverehrten

Promigitarristen mal live zu erleben, stellt

man nicht selten fest, dass die nun selbst auch

gar nicht unbedingt mehr so übernatürlich gut

klingen wie auf CD. Was fehlt also? Nun, im

Studio kann man selbstverständlich leicht trick-

sen und Klänge übereinanderschichten, indem

man den Verstärker zum Beispiel mit mehreren

Mikrofonen abnimmt und den Raumklang mit

einfängt. Das lässt sich auf der Bühne so nicht

reproduzieren. Eine Möglichkeit jedoch, die mit

Metallicas Riff-Master steht auf Jazz, nein: Jazz- ...

Carlos geht fremd mit einem ...

... Chorus-Combos von Roland

Jeder, der sich schon mal bewusst durch das

Gitarren- und Verstärkerarsenal seines bevor-

zugten Musikalienhändlers gespielt hat, weiß,

dass a) das Personal im Musikladen eiserne

Nerven braucht und b) jede Art von Instrumen-

tarium ihre speziellen Vorzüge und Nachteile

hat. Wem das nicht klar sein sollte, der gehe

hin, schnappe sich eine moderne Floyd-Rose-

Vibrato-bewährte Schraubhalsplanke und spiele

dasselbe Riff anschließend mal mit einer dicken

Jazzgitarre. Noch nicht überzeugt? Okay, behaltet

... Fender Twin Reverb „Cleansound-Klassiker“

Aus diesem Grund verwenden betuchtere Star-

Gitarreros gerne alternativ mehrere unterschied-

liche Verstärker, um eben für jeden Soundtypen

den bestmöglichen Klanggenerator am Start zu

haben. (Vom umfangreichen Fuhrpark eines gut

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guitar 12/08

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gebuchten Studio-Gitarristen, der jeden erdenklichen Sound auf Knopfdruck

anbieten können muss, jetzt mal gar nicht zu sprechen.) Metallica-Chief Hetfield

zum Beispiel liebt seine Mesa-Rectifier-Stacks, die ja nicht umsonst zum

Industriestandard im Metal-Bereich zählen. Seine Cleansounds überlässt er aber

lieber einem Roland-„Jazz Chorus“-Combo, einem total „uncoolen“ Transistor-

Gerät also, das nicht gerade im Tarifvertrag für Metaller steht. Häufiger stehen

hierfür allerdings diverse „Blackface“-Combos in der Backline bei lärmenden

Post-Grunge-Alternative-Arena-Rockern wie Nickelback, den Foo Fighters oder

Everclear, aber auch bei Traditionalisten wie Lenny Kravitz, Jimmy Page oder

Carlos Santana. Letzterer spielt bekanntermaßen ansonsten eher Mesa/Boogie,

wie auch ein gewisser John Petrucci, der zwar dem Hersteller die Treue hält, aber

eben ein ganzes Sortiment völlig unterschiedlicher Mesa-Modelle auffährt.

gear

also, dass das „SRV“-Preset des neuesten Modeling-Alleskönners im Vergleich

dazu allenfalls eine blasse zweidimensionale Pappfigur abgibt.

Der fahrende Gitarrenladen

Ein Extremfall ist der begnadete Equipment-Maniac und Detailfanatiker Eric

Johnson, der für jede einzelne Soundvariante immer gleich ein ganzes Setup

benötigt: vom Effektpedal mit den richtigen Batterien über den Verstärker mit

den richtigen Röhren bis hin zur passenden Box mit den richtigen Lautsprechern

... Ungeschlagene Heavy-Weight-Champions in der Disziplin „Zu jedem Song

die passende Gitarre – zu jeder Gitarre der passende Amp“ sind aber sicherlich

die beiden Aerosmith-Gitarristen Joe Perry und Brad Whitford. Die beiden

Luftschmiede zogen jahrzehntelang jeweils mit dem kompletten Inventar eines

gut ausgestatteten Gitarrenladens über die Konzertbühnen der Welt.

Da konnten noch nicht mal Keith Richards und Ron Wood von den Rolling

Stones mithalten. Dabei sind es nicht nur die platinveredelten Rock-Megastars,

nein, selbst vermeintlich puristische Blues- und Roots-Rocker stellen sich gerne

einen kleinen, tüchtig aufgerissenen Röhrencombo für Leads (wegen der viel

gepriesenen Endstufenübersteuerung) und einen größeren, lauteren Amp mit

deutlich mehr Headroom für die Rhythmusarbeit dazu.

Kraut und Rüben, aber Sounds satt

Besonders gut lassen sich solche Multi-Amping-Tricks gerade bei ganz

spezifischen oder extremen Sound-Anforderungen gebrauchen. Tom

Delonge zum Beispiel bastelte sich (damals noch bei Blink 182) aus drei

parallel gefahrenen Verstärkeranlagen einen einzelnen, allerdings höchst

beeindruckenden Punk-Rock-Sound. Und jeder frisch infizierte Blink-Fan, der

in den nächsten Gitarrenladen stürmte, um es seinem Idol nachzutun, verlangte

natürlich nach dem „Delonge-Verstärker“.

Interessant ist auch das Setup von Amplifier-Gitarrist Sel Balamir: Fürs

Stereo-Panorama verwendet er – einem ART Multiverb Alpha nachgeschaltet

– einen Peavey Blues Classic für Bässe und einen Tech 21 Trademark für

Mitten, über die auch alle sonstigen Effekte laufen. Hinzu kommt ein

mittels Big Muff geboosteter Marshall Bluesbreaker, der fürs Grundknurren

sorgt, und ein AC30, über den lediglich ein paar Samples laufen. Auch

Petruccis Mega-Mesa-Setup

Einigen Gitarristen genügt es aber nicht, wahlweise unterschiedliche Amp-

Sounds abzurufen. Sie wollen vielmehr ihren eigenen, ganz persönlichen

universellen Ton kreieren. Und dafür brauchen sie einen Verstärker, der ihre

Spielweise unterstützt und alle Nuancen und Finessen übertragen kann. Wohl

dem, der auf diese Weise zu seinem Sound kommt. Es lohnt sich jedenfalls,

danach zu suchen, was so unterschiedliche Beispiele wie Keith Richards, Walter

Trout, Brian Setzer, Slash oder Angus Young beweisen. Andere hingegen finden

ihren Sound einfach nicht in einem Gerät und müssen deshalb zeitlebens

weitersuchen und experimentieren.

Ein typischer Vertreter dieser Spezies war Texas-Bluesman Stevie Ray

Vaughan. Im Studio hatte er zeitweilig ein Dutzend unterschiedlicher Verstärker

von Fender, Marshall und Dumble gleichzeitig in Betrieb; auf der Bühne waren

es meist immer noch drei oder vier. Er kam seinem Klangideal also nur nahe,

wenn er verschiedene Amp-Charaktere kombinierte, um die Schwächen des

einen durch die Stärken des anderen auszugleichen. Obwohl Vaughan selbst

damit anscheinend nie hundertprozentig zufrieden war, hat sein Gitarrensound,

der deutlich mehr war als nur die Summe der einzelnen Bestandteile, definitiv

Maßstäbe gesetzt. Immerhin eifern ihm bis heute zahllose Bluesgitarristen

nach, und er findet nach wie vor immer neue Fans; auch in völlig anderen

musikalischen Spielarten.

Dabei ist vielen überhaupt nicht bewusst, dass der viel gepriesene „Texas-

Sound“ – mal ganz abgesehen von den außerordentlichen spielerischen

Fähigkeiten des Meisters selbst – tatsächlich eine höchst komplexe, bis ins

Detail ausgetüftelte und immer wieder verfeinerte Mixtur war. Kein Wunder

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experimentierfreudige Nu-Metal-Maurer wie

Wes Borland (damals Limp Bizkit) oder Marcos

Curiel (ex-P.O.D.) stellten fest, dass die betonharten

Riffwände noch wesentlich straffer, präziser und

vor allem viel griffiger erscheinen, wenn man nicht

bloß die Rectifier-Stacks sägen lässt. Man mische

einfach einen nur leicht angerauten Vox-AC30-

Combo dazu, und schon bekommt der Sound

viel mehr Struktur, Substanz und eine fast schon

greifbare Präsenz. Der Trick ist übrigens nicht

gerade neu. So hatten etwa schon Jimmy Page bei

Led Zeppelin oder Ritchie Blackmore (mit Deep

Purple und später bei Rainbow) einen zusätzlichen

AC30 in ihrer Live-Backline. Allerdings wurden die

karierten Combos meist hinter den obligatorischen

schwarzen Marshall-Türmen (bei Blackmore sogar

in den Boxen) versteckt, weshalb dies natürlich

kaum dokumentiert ist.

Besteck hinter Rauschebart Reverend Willie F.

Gibbons. Das spricht wohl für sich. Und das Beste

daran: Im Gegensatz zu den bekannten, deutlich

wahrnehmbaren „Breitmacher“-Effekten klingt ein

Multi-Amp-Setup viel unauffälliger und subtiler.

Es beeinflusst ja nicht so sehr die wahrgenommene

„Größe“ des Klangbilds, sondern die Sound-Qualität

im Detail. Aber Vorsicht: Multi-Amping macht

rasant süchtig! Denn nach dem intensiven Sound-

Erlebnis fällt es extrem schwer, sich wieder mit

einem einzelnen Verstärker zu begnügen.

ZZ-Top-Sound mit der Kraft der zwei Herzen

Nun könnte fälschlicherweise der Eindruck ent-

standen sein, Multi-Amping wäre grundsätzlich nur

mit einem immensen technischen und finanziellen

Aufwand realisierbar – und deshalb nur für

solvente Star-Gitarristen interessant. Aber genau

das Gegenteil ist der Fall! Denn die Verstärker

müssen gar nicht die besten und teuersten sein. Es

geht nur darum, Komponenten zu finden, die sich

gegenseitig sinnvoll ergänzen. Was man damit dann

in der Praxis anstellen kann, sehen wir uns in der

nächsten Folge an.

Arne Frank

Einer der Pioniere im Multi-Amping: Jimmy Page

Ohnehin hat man dabei ja das Gefühl, nur einen

einzelnen, superfetten Gitarrensound zu hören.

So zum Beispiel auch bei Ex-Skunk-Anansie-

Gitarrist „Ace“. Der ist zwar vor allem für seinen

hemmungslosen Effektpedaleinsatz berühmt, ver-

dankte den deftigen Live-Sound aber in erster Linie

zwei gut aufeinander abgestimmten Stacks von

Marshall und Orange. Interessanterweise stand bei

ZZ Tops „Rhythmeen“-Tour ein ganz ähnliches

Was ist eigentlich Multi-Amping?

Das bedeutet zunächst mal nichts anderes, als dass

man mehrere Verstärker verwendet. Nur meint man

damit normalerweise nicht die Aufreihung identischer

Modelle, was in der Pre-P.A.-Ära ursprünglich mal

zur Beschallung großer Bühnen benötigt wurde. Zum

Beispiel die im harten Sektor noch immer beliebte

Marshall-Wand bei Yngwie Malmsteen, Brian Mays

aufeinandergetürmte Vox-Combos oder Ted Nugents

zwölf über die Bühne verteilte Fender-Twins. Es geht

also weniger um die Lautstärke, sondern vielmehr um

die klanglichen Eigenheiten der jeweils verwendeten

Amps.

Im Studio verwendet man das Multi-Amping-Verfahren,

um verschiedene Klangfarben zu mischen oder einen

einmal eingespielten Take mit unterschiedlichen

Sounds abrufen zu können. Den endgültigen Amp-

Sound bestimmt man dann erst im Mix, was natürlich

sehr praktisch sein kann. Spielt man mehrere Spuren

mit unterschiedlichen Geräten oder Gitarren ein,

was im kontrollierten Recording-Umfeld ja recht

problemlos möglich ist, spricht man hingegen eher von

„Doppeln“ (engl.: „double tracking“). Dessen klanglich

andickende Wirkung lässt sich live mit geeigneten

Effektgeräten – Chorus, minimales Pitch-Shifting

oder einem kurzen Delay – simulieren. Für einen

spezifischen Multi-Amp-Mix muss man auf der Bühne

hingegen schon unterschiedliche Verstärkersounds

parallel fahren, um die charakteristische

Soundstruktur und klangliche Tiefenwirkung zu

erhalten.

Lauter, als (die Queen) erlaubt: Brian May